El Venerable en la Galería Freites
Gaudí Esté trabaja la iconografía de José Gregorio Hernández desde una perspectiva que va más allá de lo religioso y además de la madera involucra nuevas tecnologías
Mayte Navarro
El domingo, 26 de mayo, la Galería Freites inaugurará la exposición “El Venerable” de Gaudi Esté. Esta muestra es el resultado de la investigación que la artista viene realizando desde 2020 de la imagen de José Gregorio Hernández. Es una visión donde lo artístico toma un lugar relevante.
Gaudí Esté no se conforma con estudiar la forma sino que también Incorpora materiales nuevos en su discurso, que le permite alcanzar un capítulo superior en su trabajo y en el arte venezolano contemporáneo. Esto marca su evolución como artista.
Ocupa, Esté, una posición significativa dentro de la difícil disciplina que es la escultura, ejercida con fortaleza y rigurosidad. Su repertorio de especies híbridas, figuras antropomórficas feroces —pero a la vez familiares—, sus seres/fetiches que bordean el signo de la devoción y también de la ironía, permiten diferenciar su obra con un lenguaje muy personal e inconfundible.
El personaje de José Gregorio, un venezolano cuya figura se encuentra en lo profundo del imaginario colectivo del país, lo trata con referencias estéticas particulares. En este sentido, Gaudi aporta a esa visión de lo popular, la mística y lo devocional. Se trata de once piezas realizadas en madera, ensamblajes, instalaciones y escultura digital en 3D, que mantienen una sólida unidad conceptual, estética y antropológica.
En este trabajo se reconoce la trayectoria de una artista consistente en sus planteamientos y consecuente en la investigación, atenta al encuentro de nuevas fuentes en el desarrollo de su obra.
Guadí Esté inició su carrera en la década de 1960. Su primera exposición individual data de 1982, se titulaba Gente y se lleva a cabo en la Galería Minotauro.
En 1983 ganó el Premio Andrés Pérez Mujica por la mejor escultura (Gente XXI) en el XL Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia.
En 1985 su obra estuvo presente en “Escultura 85”, organizado por FUNDARTE se colocó en los espacios del Teatro Teresa Carreño, sus personajes hacían cola frente a la taquilla.
En los noventa desarrolla sus perros, felinos, caballos, gallos a través de las series Devoción, Sediciosos, Nagual. También incorpora fibras vegetales que evocan la momificación.
En el año 2000, integró la representación venezolana en la Expo2000, en Hannover y el año siguiente recibió el Primer Premio de Escultor Monumental, Homenaje a la Patria, celebrado en el Campo de Carabobo, con la instalación de centauras.
La Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) le otorgó el reconocimiento de la Crítica en la Categoría Jóvenes Maestros por su trayectoria y la exposición realizada en la Fundación Corp Group con la colaboración de la Galería Freites. En 2011 expuso de manera individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.
Exposición individual del artista Arturo Quintero se presenta en la galería Graphicart
Una exposición individual del artista venezolano Arturo Quintero, será inaugurada bajo el título Esferoides, el 18 de mayo de 2024 a las 11:00 a.m., en los espacios de la galería Graphicart, con museografía de Nanín García.
“Cada una de las series que Arturo Quintero desarrolla en su trabajo, supone un paso al logro de estados totales en la creación que nos conduce a geometrías orgánicas e infinitas, que parten de diversas fuentes de la historia del arte y el pensamiento”, según afirma la curadora e investigadora de artes visuales María Luz Cárdenas, en el texto que acompaña la muestra.
De acuerdo a la curadora, “Cada nueva investigación profundiza en el acceso a niveles elevados de armonía. Cada capítulo representa un aporte que nos permite trascender lo inmediato y dar un salto hacia nuevos patrones de percepción. Arturo despliega tensiones geométricas, rítmicas, espaciales y temporales que conducen a la comprensión esencial del universo. En sus obras, conviven sabiamente la estructura geométrica del mundo y la belleza. Alcanza representaciones que no creíamos reales. El resultado es una síntesis visual del universo que a la geometría como lengua matriz y alfabeto original”.
En palabras de María Luz Cárdenas, “Los Esferoides son elipsis que van germinando dentro de una esfera como producto de los movimientos de transformación de los sólidos iniciales. Se van formando esas líneas elípticas que estructuran nuevos sólidos. Las formas se aplanan y, a la vez, generan nuevos volúmenes. Se van organizando estructuras que se unen y dejan aparecer otras. Quintero informa, deforma, fractura, construye y deconstruye la forma, abriendo espacios alternativos de comprensión visual de lo que nos rodea. Su campo de acción plástica está sujeto a la geometría, pero no como un lugar de relaciones fijas y constantes, sino como un espacio infinito de transformaciones…”
Por su parte, Arturo Quintero expresa, «A través de mi trabajo, busco involucrar a los espectadores con la lógica de la investigación geométrica, despertar su sensibilidad, conectarlos con el origen de mis creaciones artísticas. Realizo mi discurso artístico utilizando la repetición, progresión de un valor abstracto, adaptándolo perfecta así como constantemente a un plano universal que, visto en detalle, te cautiva con los cambios de luz aparentemente aleatorios, sombras sinuosas, colores armoniosos y movimientos rítmicos. La conjunción de todos estos factores desencadena ese maravilloso momento en el que los espectadores descubren los principios geométricos, por lo tanto, un universo, ante sus ojos. Es entonces cuando logro mi intención artística”.
Arturo Quintero (Caracas, 1964) se graduó como Diseñador de Obras Civiles en 1986. Su incursión en el arte comenzó en el año 2000 de forma autodidacta, y desde entonces ha desarrollado una amplia trayectoria artística durante la cual ha exhibido su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales, en Venezuela y otros países.
La exposición Esferoides, de Arturo Quintero, se estará presentando desde el 18 de mayo hasta el 15 de Junio de 2024, en la galería Graphicart, ubicada en la avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario es de martes a viernes de 1:00 p.m. a 4:00 p.m., y sábados de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.
@graphicartccs / @arturiximo
Exposición del artista Carlos Calderón se presenta en la Galería Plurarte
Una selección de obras del artista venezolano Carlos Calderón, conforman la exposición que, bajo el título «Reflexión frente al mar», será inaugurada en Caracas el 4 de mayo de 2024 a las 11:00 a.m., en los espacios de la Galería Plurarte.
“Aproximarse a la obra de Carlos Calderón, es conectar con un pintar profundo, acompañado de reminiscencias del pasado y evocativo de miradas al vacío en el horizonte, sustentadas en la inmensidad del mar”, según afirma el curador Manuel Eduardo Aranguren, en el texto que acompaña la muestra.
En palabras del curador, “Precisamente es por eso que el Arte llega a su vivir, tras decidir su retorno a la mar, con la pintura como recurso capaz de manifestar semejante transformación que el existir demandaba, aflorando pasajes y vivencias que marcaron enriquecido imaginario en el curso de los años formativos junto al padre”.
A juicio de Manuel Eduardo Aranguren, “En sus obras percibimos un olor y sabor a mar, como si navegara sobre el lienzo, dando vida a manchas de color y velos que encubren elementos afines al ámbito marino, convertidos en sublimes escenarios sumergidos en abstracción pura (…) Es así como la obra expuesta nos lleva a surcar espacios que impactan la retina y avivan remembranzas, con escenas reveladoras de belleza estética y mágicas composiciones; un debatir entre la ausencia y presencia”.
“Puedo expresar que su propuesta reivindica la permanencia y fuerza indiscutible de la pintura, transitando por ella durante tres décadas hasta concebir una obra genuina y original, bajo impecable ejecución que sumada al proceso de formación y exploración, legitiman la valía de un lenguaje plástico propio y prometedor cuerpo de obra”, concluye el curador.
Nacido en Caracas en 1972, Carlos Calderón reside y trabaja desde hace más de dos décadas en la isla de Margarita, Estado Nueva Esparta. A lo largo de su trayectoria artística ha exhibido su obra de manera colectiva e individual en Venezuela, Estados Unidos, España y China. Asimismo ha sido reconocido con distinciones como el Premio Regional Asdrúbal Marcano, Premios CIANE. Nueva Esparta, Venezuela (2019); Mención Honorífica. Con la Fe en Nueva Esparta VI. Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez. Porlamar, Venezuela (2016); Mención Honorífica. Con la Fe en Nueva Esparta V. Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez. Porlamar, Venezuela (2015); y VII Premio. Premios Fivars 2007 Pintores Noveles. Galerías Fivars. Alicante, España (2007).
La exposición «Reflexión frente al mar» de Carlos Calderón, se estará presentando del 4 de mayo al 15 de junio de 2024, en la Galería Plurarte, ubicada en la subida de Los Naranjos, Parque Cerro Verde, Nivel Plaza, Caracas.
@plurarte.ccs www.carloscalderon.art @carloscalderon
“Retornar a lo que fue, sacar del foso la fe” exposición individual de Francisca Sosa López en la Hacienda La Trinidad
“Retornar a lo que fue, sacar del foso la fe”, es el título de la exposición individual de la artista Francisca Sosa López, que fue inaugurada el 21 de abril de 2024 a las 11:00 a.m. en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, conjuntamente con la Fundación ArtesanoGroup, bajo la curaduría de Patricia Velasco Barbieri y la museografía de Pedro Quintero.
En esta exposición, Francisca Sosa López, artista multidisciplinar venezolana residenciada en Londres, presenta el resultado de su trabajo desarrollado en la residencia artística ofrecida por la Fundación ArtesanoGroup y su programa Hacedores de País en El Cercado, isla de Margarita, y que le brindó la oportunidad de reencontrarse con Venezuela y aprender de las tradiciones de los artesanos de la región
“Partiendo del debate histórico que tuvo lugar durante el Renacimiento en torno a las diferencias o límites entre las figuras del artesano y el artista, uno de los objetivos cardinales de la residencia consistió en -respetando siempre la herencia y el conocimiento transmitido por los artesanos de la isla- ampliar o resignificar desde una perspectiva contemporánea el uso y las posibilidades de los materiales y objetos tradicionales. Con este fin, la artista investigó los hábitos diarios de los artesanos, la historia y la función de cada manifestación artesanal, así como la intencionalidad y función inherente a cada uno de los objetos en los que se interesó. En este proceso ideó y construyó un conjunto de cuatro obras de naturaleza instalativa a partir de diversos objetos originarios de la artesanía insular”, tal y como explica el equipo de ArtesanoGroup en el texto de presentación del proyecto.
“La exhibición se orienta, entonces, a la apropiación y ocupación del espacio expositivo a partir de la instalación de unas ambiciosas piezas tridimensionales elaboradas a partir de objetos de barro, cestas, hamacas y materiales asociados a estos saberes ancestrales: tierra, piedras, fibras etc. Se trata de una propuesta que además de celebrar y reinterpretar las tradiciones de la zona, proyectan y revalorizan algunas de las prácticas asociadas al género femenino. Las obras se construyen a partir de los objetos producidos por los artesanos de la región a fin de darle visibilidad a su trabajo, pero también, de poner en valor los nexos entre nociones como artesanía y contemporaneidad”.
Asimismo, según señala la presentación, en la muestra se incluyen un conjunto de piezas de los artesanos de la zona, un registro visual a cargo de la fotógrafa Silvana Trevale en el cual se retratan los artesanos que produjeron las piezas y acompañaron a la artista en su proceso de trabajo, así como algunos videos que documentan tanto la residencia como el proceso de trabajo de Francisca Sosa.
Por su parte, la curadora Patricia Velasco Barbieri afirma en el texto de sala, que “El resultado de esa experiencia se concreta en una propuesta que pone en valor los vínculos entre saberes artesanales locales -alfarería, cestería y tejido- y sus nexos y resonancias con la contemporaneidad. De esta manera, la muestra evidencia el intercambio entre la práctica de la artista y el quehacer de los artesanos generándose correspondencias, apropiaciones e interpretaciones. Hay, en la propuesta de Sosa López, una transversalidad de conexiones y miradas que redimensionan el objeto artesanal y sus materiales abriendo nuevas posibilidades de lecturas y significaciones. La muestra propone, entonces, la oportunidad de reflexionar sobre las valoraciones, límites e intercambios que ofrecen nociones como artesanía y contemporaneidad en tiempos de disolución de fronteras, de interdisciplinaridad, de lenguajes híbridos, mixtos y polisémicos”.
“Retornar a lo que fue, sacar del foso la fe es, en definitiva, una muestra que establece lecturas cruzadas tanto en lo formal como en lo narrativo propiciando un intercambio enriquecedor que revitaliza y redimensiona la mirada de una interesante y compleja relación de profundas y contundentes resonancias: el vínculo entre la artesanía y la contemporaneidad”, expresa la curadora.
Francisca Sosa López (Caracas, 1991) vive y trabaja en Londres. Culminó su maestría en Bellas Artes en la prestigiosa The Slade School of Fine Arts de Londres, en 2020. Ha colaborado con diversos artistas de la escena británica y en los últimos años ha exhibido su trabajo en galerías e instituciones, tales como el British Museum, Peer Gallery, Pippi Houldsworth Gallery, Grove Collective, Grupo Amalgama, Kristin Hjellegjerde Gallery, Cedric Bardawil, entre otros. Su obra se encuentra representada en la colección permanente del University College de Londres y ha participado en proyectos específicos con el British Museum. La artista ha sido seleccionada para importantes premios, como el Provost Purchase Prize for UCL East, el Adrian Carruthers Award y el Saatchi Art Rising Stars. En los últimos años ha dirigido seminarios en el Camberwell College of Arts, University of the Arts, de Londres y ha colaborado en importantes conversatorios, como Kovet Art. Obras suyas están presentes en colecciones privadas de Venezuela, España, Corea del Sur, Italia, Mónaco, Líbano, Reino Unido, Estados Unidos, Francia, México y China.
En el marco de la muestra se realizarán una serie de eventos que incluirá talleres prácticos con los Alfareros de El Cercado, Juan José Bermúdez, Juan Alberto Rodríguez y la artista Francisca Sosa, dirigidos a estudiantes y creadores, así como visitas guiadas y encuentros. Dichos eventos serán informados oportunamente por nuestras redes sociales.
La exposición “Retornar a lo que fue, sacar del foso la fe”, de Francisca Sosa López, se estará presentando hasta el 2 de junio de 2024 en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural, ubicada en la calle Rafael Rangel Sur, urbanización Sorocaima, La Trinidad, Baruta, Caracas. El horario es de martes a domingos, de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.
Para más información:
X : @trinidadcultura IG: @haciendalatrinidad FB: @Hacienda La Trinidad Parque Cultural WEB: www.haciendalatrinidad.org
X: @artesanogroup FB: Fundación ArtesanoGroup IG: @artesanogroup WEB: www.artesanogroup.com
www.franciscasosalopez.com IG: @franciscasosa
Exposición del fotógrafo venezolano Víctor Jaramillo se presenta en Miami
Una exposición del fotógrafo venezolano Víctor Jaramillo, titulada Paleta de Sabores, se presentará los días 17 y 18 de abril de 2024 en The Hub Miami, en el marco de la conferencia anual Lengua Conference, que organizada por Gluttonomy, reúne en Miami a chefs, propietarios y operadores de restaurantes, y profesionales del sector de alimentos y bebidas, en un evento que incluye ponencias, paneles de discusión, cenas y otros eventos de integración de la industria gastronómica.
Bajo la curaduría de Nidal Barake, socio fundador de Gluttonomy, la exposición Paleta de Sabores reúne una serie de retratos de algunos de los profesionales de la gastronomía en Miami, ciudad donde se encuentra radicado Víctor Jaramillo.
Según se explica en el texto que acompaña la muestra, para Víctor Jaramillo la cocina es un arte y, para él, todos los que trabajan en ese mundo son artistas, por lo cual tiene mucho respeto por los cocineros y demás profesionales de la gastronomía. “Compartiendo esa pasión con su amigo Nidal Barake, decidieron que era hora de reconocer el talento de estos artistas culinarios. Así que se pusieron manos a la obra y empezaron un proyecto para hacer una serie de retratos de algunos de los grandes de la cocina en Miami”.
“Las fotos, llenas de colores, muestran un ambiente animado y diverso donde los chefs, baristas, sommeliers y dueños de restaurantes trabajan y muestran sus habilidades (…) Con esta exhibición de fotos, Víctor y Nidal quieren invitar a todos a sumergirse en el mundo emocionante de la creatividad culinaria y a apreciar el esfuerzo, la maestría y la originalidad de estos profesionales. Cada retrato cuenta una historia de pasión, perseverancia y la conexión especial entre el arte y la comida”.
Con un título en Derecho Corporativo, y un título en Derecho de los Negocios Internacionales de Estudios Superiores de Administración y Dirección de Empresas (ESADE), Víctor Jaramillo inició en 2020 su formación formal como fotógrafo en la Escuela de Fotografía Roberto Mata, además ha participado en varios talleres de fotografía en PhotoPhlo. Desde el año 2020 se ha dedicado a la fotografía como su actividad de tiempo completo, centrando su trabajo en la fotografía de retratos.
En mayo de 2022, Jaramillo tuvo su primera exposición individual en la Escuela de Fotografía Roberto Mata en el Bakehouse Art Complex. La exposición se tituló «99» y recogió 99 retratos que forman parte de un proyecto personal que se titula “BJT series» en donde da énfasis la forma humana, la expresión facial y las manos de cada sujeto. En agosto de 2023, su retrato titulado «Elena» fue seleccionado como finalista en el concurso «Capture Coral Gables», patrocinado por el Museo Coral Gables, en el cual recibió el Gran Premio del concurso.
La exposición Paleta de Sabores, de Víctor Jaramillo, se estará presentando los días 17 y 18 de abril de 2024, en el marco de Lengua Conference, que se realizará en The Hub Miami, en Miami, Estados Unidos.
La artista venezolana Claudia Lavegas exhibe su obra en París
Una exposición de la artista venezolana Claudia Lavegas, será inaugurada en París bajo el título Ättä, el 21 de marzo de 2024 a las 6:00 p.m., en la Galerie Wagner.
“La casa es el tema y punto de partida en la obra de Claudia Lavegas. Pero no cualquier casa, sino específicamente aquella donde vive una de las comunidades originarias de Venezuela: los Yekuana. De allí el título de la exposición: Ättä que significa Casa”, tal y como afirma la curadora y crítico de arte, Susana Benko, en el texto que acompaña la muestra.
Claudia Lavegas es artista y arquitecto, y según expresa Susana Benko, “Ello explica, en parte, su pasión por la arquitectura indígena, en especial, las churuatas. Hay en ella una admiración muy particular por estas construcciones y tiene muchas razones para ello: además de ser lugares de cobijo, trabajo y convivencia familiar de los Yekuana, son asimismo espacios de contemplación, no sólo de su perfección técnica y estructural, sino de conexión con la naturaleza y también de ensoñación”.
“De acuerdo a la mitología Yekuana, la forma redonda del universo, creado por el dios Wanadí, corresponde a la estructura circular de las churuatas. Claudia Lavegas fija su atención en los techos y transfiere su forma circular y radial en sus pinturas logrando, sea con pigmento -si la vista es desde el interior de la casa- o con varillas de madera -si la vista es cenital-, expresar similar distribución de los componentes constructivos de estos techos. La casa se vuelve mágica para la artista, pues, esta explicación mítica trasciende la admiración formal cuando se sabe que para los Yekuana este techo cónico sostenido en el medio por un pilar equivale al universo. Es entonces un espacio cuyo sentido trasciende a su significado utilitario o funcional y adquiere una connotación espiritual”, explica la curadora.
De igual forma, Susana Benko señala que “Las hojas de palma de los techos son amarrados fuertemente con bejucos enteros y lianas. De allí que recientemente Claudia haya introducido importantes cambios en sus propias churuatas: ahora amarra y teje con rafia además de haber dado un interesante giro a su paleta cromática. Introdujo, asimismo, la forma rectangular con la que se permite aumentar sus formatos”.
Para Susana Benko, “la rafia no solo le permite establecer una relación con el tejido y la arquitectura indígenas: con este material se conecta directamente con la tierra, con lo orgánico, con la naturaleza. Hay en ello un interés ecológico, sin duda. Y hay también una voluntad de expresar lo que la artista oye, ve, huele y siente cada vez que viaja a la cuenca del Orinoco, a Canaima y a otras zonas selváticas donde habitan los Yekuana”.
Nacida en Caracas en 1968, Claudia Lavegas se graduó de arquitecta en la Universidad Central de Venezuela en 1992. Asimismo, estudió acrílico sobre lienzo en la Escuela Federico Brandt en Caracas, y en 1995, decidió ampliar sus estudios y se trasladó a París para cursar un postgrado en la École des Beaux-Arts, especializándose en museología, así como en escenografía de ópera y teatro. Tras completar sus estudios académicos, regresó a Venezuela, donde combinó su carrera con sus pasiones por la pintura y el arte contemporáneo. En 2010 fundó Happy Hour Bags, una empresa de accesorios de moda donde se desempeñó como directora creativa. En la búsqueda de expresar su creatividad a través del pincel, emprende un nuevo proyecto en 2017, la creación de Qilin Brand, una marca de accesorios que llevan su estilo reflejado en sombreros y accesorios de moda. En el 2018, continuó su formación académica y completó un diplomado en arte contemporáneo en la Universidad Metropolitana.
La exposición Ättä, de Claudia Lavegas permanecerá en exhibición del 21 de marzo al 20 de abril de 2024, en la Galerie Wagner, en París, Francia.
La Galería de Arte Ascaso presenta exposición del artista Carlos Medina
Una serie de intervenciones espaciales, es la nueva propuesta que trae el artista venezolano Carlos Medina a Caracas, para la muestra expositiva que bajo el título Proyecciones, inaugurará la Galería de Arte Ascaso en Las Mercedes, el jueves 4 de abril de 2024 a las 5:00 p.m., con la curaduría del arquitecto y museógrafo Mauricio Alfonzo.
“Luego de tomar el espacio como soporte, permitiéndonos ver un Fragmento de lluvia o sumergirnos en sus Neutrinos, ahora Medina introduce la luz como protagonista de esta propuesta Proyecciones. La luz, multiplica y crea otra realidad a través de la sombra inseparable de cualquier elemento iluminado sobre una superficie. Una experiencia de inmersión entre intervenciones espaciales y su realidad proyectada a través de la luz y el sonido que nos envuelve en la lluvia y la energía del cosmos”, según se afirma en el texto que acompaña la muestra.
Asimismo se explica en el texto que, “En estos tiempos de colaboraciones, el concepto Proyecciones, nos habla también de la influencia del trabajo de Medina sobre otros creadores. Por ello en esta oportunidad, la Galería Ascaso, acoge una propuesta diferente, en la cual el arte, la moda y el diseño, se integran en el marco de esta exposición”.
En tal sentido, la muestra incluye la exhibición de las creaciones de la diseñadora de moda venezolana Karen Matos, con su marca Lemontree, quien presenta en esta muestra su nueva colección, también llamada ‘Proyecciones’, inspirada en las obras de Carlos Medina, en la que “busca realzar la obra del artista, incorporando sus elementos distintivos en cada prenda. El enfoque es crear un trabajo impecable que fusiona el uso de una variedad de texturas y diseños inspirados en las obras del artista y que cobran vida la maestría textil de Matos, para resaltar la geometría y la elegancia minimalista que tienen en común el trabajo Medina y el estilo distintivo y reconocible de Lemontree”.
Considerado como una de las referencias de la escultura geométrica en Venezuela, Carlos Medina pasa de las preocupaciones volumétricas a las espaciales, y consolida su obra en la interpretación esencial e imperceptible de la naturaleza, la física y las formas, conceptos principales y en plena evolución dentro de su trabajo. Su línea de investigación más reciente la ha desarrollado desde obras escultóricas, piezas a gran escala y obras gráficas, dentro de las que se inscriben sus Fragmentos de lluvia, Neutrinos, Cilindros espaciales y Superficies esenciales. Su producción a escala urbana incluye más de veinte obras monumentales, entre las que destacan Fragmento de lluvia para Caracas, ubicada en la autopista Francisco Fajardo de la ciudad capital de Venezuela; y Sphères de Neutrinos, integrada por dos esferas transparentes y monumentales en los jardines del Palais Royal, París.
Graduado en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas de Caracas en 1975, Carlos Medina (Barquisimeto, 1953) posee una amplia trayectoria de más de cuatro décadas, durante la cual ha expuesto su obra de manera colectiva e individual en los más prestigiosos museos y galerías de Venezuela, Francia, España, Italia, Estados Unidos, Panamá, México, Bélgica, Argentina, Colombia, Egipto, Ecuador, Austria, la antigua Yugoslavia, Chile, Costa Rica y Corea del Sur, entre otros países.
Además ha sido merecedor de más de treinta premios y reconocimientos otorgados por organizaciones del arte y la cultura a nivel internacional. Actualmente reside en Francia, donde es artista de la emblemática Galerie Denise René de París, entre otras galerías en las cuales se mantiene su presencia, no solo en Francia, sino también en Venezuela, Estados Unidos, España e Italia, escenarios principales de su actividad.
Arte y diseño
Cabe destacar que en el marco de la inauguración de la exposición Proyecciones de Carlos Medina, se realizará el evento de presentación de las prendas de la colección de la diseñadora de moda Karen Matos, CEO de Lemontree, quien encuentra en las obras de Carlos Medina una fuente inagotable de inspiración.
La estética de esta colección se define bajo una paleta de colores dominada por blancos, negros y tonos tierra. Cada pieza busca transmitir una sensación de sofisticación y modernidad.
Asimismo, se realizará el lanzamiento de la propuesta de la diseñadora de joyas Manuela Fernández, marca Manú, quien toma como inspiración varias piezas del maestro Medina y de allí en un trabajo conjunto, diseña una exclusiva colección de ocho piezas realizadas en plata y oro que incluyen, zarcillos, anillos y collares sobre Elementos Geométricos, Gotas y Neutrinos, en su propuesta de joyas.
El evento incluirá también la participación de la artista visual Mercedes Rodríguez, destacada por su puesta en escena de luz como elemento dentro de la danza o el teatro en piezas como Pi y Los Miserables, y en el sonido, el ingeniero Gabriel Álvarez, con múltiples reconocimientos, el más reciente, el cortometraje The Night Doctrine, ganador de varios festivales internacionales y finalista del festival de Tribeca 2023.
La exposición Proyecciones, de Carlos Medina, cuenta con el diseño de Zilah Rojas, y la asistencia de Mariele Araujo, coordinadora de la galería, y permanecerá en exhibición a partir del 4 de abril de 2024, en la Galería de Arte Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, Las Mercedes, Caracas.
Galería ABRA presenta primera exposición individual del artista Jhonathan De Aguiar
El sábado 16 de marzo de 2024, a partir de las 10:00 a.m., la galería ABRA inaugurará en el [G9] del Centro de Arte Los Galpones, la exposición LA EMOCIÓN NECESARIA, primera individual del artista venezolano Jhonathan De Aguiar.
La muestra está conformada por dieciséis pinturas al óleo, sobre lienzo y sobre papel, realizadas entre 2021 y 2023, que en palabras del artista, “… son el resultado de un acercamiento al ser humano contemporáneo, que se debate constantemente entre el deber ser, en la vida necesaria y monótona, y lo que repentinamente nos aborda, reclamando un sentido a la existencia”.
Por su parte, la investigadora Rigel García señala en el texto de sala, que los personajes en las obras “…parecen estar suspendidos en un instante específico, extraídos del continuum; una especie de tiempo detenido en el que la acción en curso queda en suspenso y se disipa”.
Con trazos gestuales, definiendo algunas zonas más que otras en el cuadro, la pintura figurativa de De Aguiar presentadas en LA EMOCIÓN NECESARIA captura “experiencias universales” que “por ser de cada quien, terminan siendo espejo de todos”, según explica García.
La exposición de Jhonathan De Aguiar podrá ser visitada hasta el domingo 19 de mayo de 2024, en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones, ubicado avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado de 10:00 am a 6:00 pm y los domingos de 10:00 am a 4:00 pm.
@abracaracas
Jhonathan De Aguiar (Caracas, 1987)
Cuenta con una Licenciatura en Ingeniería de Producción de la Universidad Simón Bolívar, sin embargo, se formó como artista bajo la tutela de Randjel Spasic entre los años 2008 y 2012. En La emoción necesaria (Galería ABRA, 2024) presentará por primera vez su trabajo de manera individual luego de haber participado en colectivas tales como Colectiva(Galerie Saint-Gobain, Francia, 2020), Festival In Situ (Eglise de Bazancourt, Francia, 2020), Apóstrofe (Galería ABRA, Venezuela, 2017), Se cayó el sistema (Universidad Central de Venezuela, 2013) y Homenaje a Francisco Massiani (Muza Art el Hatillo, Venezuela, 2012). Actualmente, reside en Madrid, España.
INTERART 2024 presenta “Diavolarium: Cultura, Danza y Tradición”
- La exposición de la tercera Intercolegial de Arte inaugura este 7 de marzo en la Sala 2 del Centro Cultural de Arte Moderno – CCAM y clausura el 17 de marzo.
El Colegio Internacional de Caracas (CIC) tiene el gusto de presentar la tercera intercolegial de arte InterArt 2024, que este año se ha denominado “DIAVOLARIUM: Cultura, Danza y Tradición”. Esta edición se inclinó hacia una auténtica tradición local: los Diablos Danzantes de Venezuela, que cuentan con más de 30 cofradías en el territorio y la cual ha sido reconocida por la UNESCO como patrimonio universal e inmaterial de la humanidad.
Para esta ocasión, el objeto de intervención es la máscara tradicional del Diablo de Yare, en las cuales los estudiantes de 28 instituciones académicas plasmaron su creatividad, talento, motivación y venezolanidad. Las máscaras fueron elaboradas por DiablosCorp.
La 1era Etapa de InterArt 2024 inaugura el próximo jueves 7 de marzo con la exposición de las 28 piezas intervenidas. Este año la muestra se realiza en la Sala 2 del CCAM, gracias a la alianza obtenida con este Centro Cultural de Arte Moderno ubicado en La Castellana, y el patrocinio de la Fundación Telefónica Movistar. Como en otras ediciones, todas las obras presentadas tienen un hilo conductor: el rescate de la tradición venezolana, excelencia y compromiso real con el quehacer cultural. Para la clausura, el domingo 17 de marzo, nos acompañará el profesor Benito Irady, historiador y Miembro de la Comisión de Patrimonios Universales de la Humanidad-UNESCO, quien disertará sobre los “Diablos Danzantes, sus orígenes e historia”.
La 2da Etapa de InterArt 2024 se realizará el sábado 13 de abril en las instalaciones del Colegio Internacional de Caracas (CIC). A partir de las 11 de la mañana la exposición de las 28 obras podrá apreciarse en los espacios abiertos del Colegio, para luego dar paso a la premiación y subasta a beneficio de la Asociación Civil Hogar Bambi.
El jurado de esta edición está conformado por un selecto grupo de personalidades del mundo de las artes plásticas en Venezuela: María Luz Cárdenas (investigadora, actual presidenta de la Asociación Internacional de Críticos de Arte -capítulo Venezuela (AICA); María Beatriz Hernández de Vargas (presidenta del CCAM); y los artistas plásticos: Raúl Herrera, Carmela Fenice, Dagor, Francisco Martínez y Elbia Polanca.
Los premios de este año son: el 1er. lugar trofeo “CIC Excellence”; 2do. lugar trofeo “Originalidad” y 3er. lugar trofeo “Técnica aplicada”. Además, se otorgará el premio Fundación Fenice Larralde y un premio especial “Voto del artista”-, este último escogido y otorgado por los artistas participantes.
Las instituciones académicas presentes en InterArt 2024 son: Academia Merici, Academia Washington, Colegio Canigua, Colegio Emil Friedman, Colegio Claret, Colegio Cristo Rey, Colegio El Ángel, Colegio Champagnat, Colegio Francia, Colegio Humboldt, Colegio Integral El Ávila, Instituto Escuela, Colegio Internacional de Caracas, Colegio Internacional de Carabobo, Colegio La Salle, Colegio Los Arcos, Colegio Madison, Colegio María Auxiliadora, Colegio Roraima, Colegio Simón Bolívar II, Colegio Yale, Escuela Bella Vista Maracaibo, Escuela Campo Alegre, Instituto Andes de Caracas, Instituto Cumbres, IEA El Peñón, The British School Caracas y Hogar Bambi.
InterArt 2024 “Diavolarium: Cultura, Danza y Tradición” es organizado por Oswaldo Lilla en la dirección ejecutiva; Ala Blatnik en la dirección creativa; y Carmela Fenice en la dirección artística del proyecto, a través de la Fundación Fenice Larralde.
Oswaldo Lilla y Alejandra Blatnik, explican: “InterArt crece cada año, en calidad y cantidad. Hoy, ya con nuestra tercera edición, somos una realidad, una referencia en la búsqueda y promoción del arte juvenil. Nuestro foco siempre ha sido y será despertar el talento artístico en etapas tempranas, añadiéndole el aporte social, vital para el trabajo y la vida en colectivo. Mantenemos nuestro hilo conductor: hacer brillar la venezolanidad, no solo desde el punto de vista artístico y estético, sino también comprendiéndola, desde sus raíces. Una vez más, con la presentación de InterArt2024 “DIAVOLARIUM: Cultura, Danza y Tradición” ofrecemos una muestra de nuestro semillero artístico local”.
Los fondos recaudados en la subasta de las obras serán destinados a la Asociación Civil Hogar Bambi, como un aporte permanente en la misión de la institución, que beneficia a niños y adolescentes en situación de riesgo.
IN⚫NU⚫EN⚫DO cuando el arte es más que insinuación
La Galería Díaz Mancini presenta el trabajo de Roberto Mosquera, conocido también como Robe.Mos, donde invita a un diálogo con su obra para discernir sobre lo real y lo ilusorio
Mayte Navarro
En la Galería Díaz Mancini, ubicada en la Avenida Mohedano, urbanización La Castellana, se inauguró la exposición IN⚫NU⚫EN⚫DO del artista venezolano-norteamericano Robe-Mos (Roberto Mosquera, @robmos71), quien en esta oportunidad no pudo estar presente, pero gracias a la tecnología se hizo posible el intercambio de ideas, comentarios y opiniones con los asistentes.
La muestra reúne más de 45 obras realizadas en técnicas mixtas, donde también se observa la utilización de una variedad de materiales entre los que destacan: acrílico, hojilla de oro y plata, plástico, metal, textiles sintéticos y naturales lo que se traduce en obras de diversos formatos y técnicas como el collage, la utilización de spray o el hojillado.
Residenciado en Nueva York a partir de la década de los 90; plantea con su trabajo, donde no ha desdeñado el uso de la Inteligencia Artificial, un diálogo que resulta muy actual, porque gira alrededor de lo verdadero y lo falso.
La curaduría de la muestra estuvo a cargo del galerista y director de la galería, César Díaz Mancini, quien al hablar sobre esta obra explica: “En una era saturada de noticias falsas, robo de identidad y la influencia omnipresente de la inteligencia artificial, cada obra de arte susurra su historia, invitando a los espectadores a descifrar lo real en medio de la ilusión”.
En cuanto a la carrera de Mosquera como artista, tiene sus orígenes en Venezuela, para ser más exactos en Caracas, su ciudad natal, donde estudió en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, para luego ingresar en The Art Students League of New York, su trabajo se ha desarrollado principalmente en el área de la pintura y escultura con técnicas mixtas. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas, además de trabajar como curador en importantes muestras en galerías de Nueva York y California. Otras obras transitan el movimiento ya que se catalogan dentro del campo de la multimedia y el video art.
Sus creaciones figuran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, la Galería del CELARG, Galería de Arte Nacional y en el Museo de Vermont.
En cuanto al nombre de la exposición IN⚫NU⚫EN⚫DO, que no es otra cosa que innuendo, esa palabra que significa insinuación, subraya la intención a dialogar sobre las dualidades de las imágenes culturales.
Ante estas obras el espectador no es un simple ente pasivo, sino que se encuentra imbuido en imágenes y en un mensaje que no le es ajeno y que lo lleva a buscar lo real. Como bien lo explica Díaz Mancini: “La línea de narrativa utilizada en esta muestra, conlleva un ejercicio de interpretación de parte del espectador. En una era saturada de noticias falsas, robo de identidad y la influencia omnipresente de la inteligencia artificial, cada obra de arte susurra su historia, invitando a los espectadores a descifrar lo real en medio de la ilusión”.
Para concluir subraya que el conjunto de esta muestra sugiere interconexión, tejido, diálogo con lo actual… Parte de lo que mueve a este creador: sugerir, despertar, motivar, como destaca el artista ‘delicadas alusiones que el arte susurra’ ”.
IN⚫NU⚫EN⚫DO se podrá visitar hasta el 28 de abril, fecha de su clausura. Durante la apertura, además de conversar con Roberto Mosquera sobre su obra y su trabajo se pudo recorrer la exposición con la cortina musical proporcionada por Lebotrónico.
El arte sigue dando la talla
El Centro de Artes Integradas anuncia su programación de actividades donde diplomados, cursos y una exposición conforman la oferta
Mayte Navarro
El Centro de Artes Integradas (CAI) presenta varias noticias; una es el nombramiento de Leo Álvarez, @oelzer, como nuevo director del Centro de Investigaciones y Estudios Fotográficos (CIEF). El reconocido fotógrafo se suma a un equipo integrado por otros profesionales de trayectoria como lo son Ricardo Jiménez, Laura Morales, Guillermo Suárez, Mariana Mendoza, Carlos Arvelaiz y Oscar Lucién. Con este anuncio también llegan las noticias de que el CIEF estrena imagen, estructura y pensum, además de anunciar interesantes talleres y alianzas.
Por otra parte, tenemos la inauguración de la próxima exposición, el 3 de marzo, a las 11:00 a.m. titulada Heterogéneas. Se trata de una colectiva que presenta la diversidad formal y conceptual a través de cinco artistas.
No menos importante es que Centro de Estudios en Diseño, Arte y Arquitectura, otro de los brazos del CAI, abrió nuevos módulos en sus diplomados en curaduría.
El Centro de Formación para el Teatro Escénica suma a sus talleres de actuación y canto, la convocatoria para el primer Festival Juvenil de Teatro.
El CEDAA abrió el módulo 6 en Curaduría de Arte dictado por la profesora Priscila Guía, que profundizará en el tema de la propiedad intelectual en los productos de la creación artística. Se inicia el 29 de febrero y se impartirá a distancia. Los cursantes con estudios de tercer nivel o licenciatura que cumplan con las actividades de verificación solicitadas, recibirán un certificado de Curso de Ampliación de Posgrado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV.
Para marzo está marcado el inicio de los Diplomados de Formación en Diseño Gráfico, que comienza el 4 y el de Artes Visuales el 6 del mismo mes.
Vinculados a las artes escénicas son los cursos relacionados con las nuevas maneras de expresividad que comienza el 2 de marzo y estará a cargo de Carlos Abbatemarco, docente teatral con una amplia experiencia. Para esa misma fecha se ha programado el Gran taller de la voz, dirigido a actores, estudiantes de teatro, comunicación social, radio, televisión a cargo del cantante y actor Juan Carlos Grisal. Ambos cursos se dictarán los sábados.
Heterogéneas
Las artes plásticas es otro de los puntos centrales de la programación del Centro de Artes Integradas y el domingo 3 de marzo se inaugura Heterogéneas, una exposición que reúne los trabajos de cinco mujeres: Guiomar Gamero, Tutty García, María Elisa Pifano, Diana Roche y Fabiana Vernile. Cada una de ella se expresa a través de distintas maneras y para ello utilizan la cerámica, la escultura, el dibujo, la pintura y la instalación. De esta forma, la diversidad enriquece el mensaje y la propuesta. Heterogéneas se podrá visitar a partir del domingo 3 de marzo de 2024, en la Sala William Werner bajo la curaduría de Susana Benko, quien señala que en estas cinco artistas hay estudio, investigación, sentido de pertenencia hacia sus referentes particulares y el resultado, por ello, es variado, heterogéneo.
Gregoriando Ando llega a Galería LPG en los Chorros
Se inauguró la exposición “Gregoriando Ando” una muestra colectiva de 22 artistas quienes, a partir de la imagen en yeso del Beato José Gregorio Hernández, traídos especialmente desde Isnotú, se intervinieron en el taller de la Artista Plástico Zulay Mendoza para ser expuestas. Durante la muestra se realizará un taller de modelado en arcilla para todo público.
Galería LPG reabrió sus puertas en este 2024 iniciando con una muestra colectiva llamada “Gregoriando Ando” donde podremos disfrutar de un total de 22 piezas de yeso inspiradas en el Beato José Gregorio Hernández que fueron intervenidas en el taller de las Artistas Plástico Zulay Mendoza.
La exposición busca exaltar la intervención en la escultura, teniendo 22 piezas de yeso traídas desde Isnotú en el estado Trujillo, lugar de nacimiento de Dr. José Gregorio Hernández. Las piezas se entregaron al Taller de Zulay Mendoza reconocida artista plástica y docente, durante la muestra podremos ver el acercamiento de cada alumno que integra el taller, quienes buscaron acercarse a la figura, desde su vestimenta o agregando materiales como pintura, yute, algodón, vidrio, entre otros.
En el marco de la exposición también se realizará un taller de arcilla para las personas que deseen acercarse a la técnica plástica del “Modelado” dictado por la propia artista plástico, curadora y docente Zulay Mendoza. El taller tiene un costo de 20$ y su costo en pareja es de 30$. En este sentido Galería LPG busca incentivar a la ciudadanía a acercarse a las artes plástico en específico a la escultura.
Visita esta exposición en los espacios de la Galería LPG, ubicada en la Urb. Los Chorros, Av. El Rosario con Transversal 12. Edificio LPG. Caracas. La entrada es totalmente gratuita. Para más información @GaleriaLPG en todas las redes sociales.
Galería ABRA presenta exposición de Lamis Feldman en la octava edición de su proyecto ArchivoAbierto
El domingo 18 de febrero de 2024, a partir de las 10:00 am, la galería ABRA inaugurará en el galpón 6 del Centro de Arte Los Galpones, la exhibición de la octava edición de su proyecto ArchivoAbierto, dedicada en esta ocasión a la artista venezolana Lamis Feldman, quien a lo largo de más de cinco décadas de trabajo e investigación, se ha establecido como una de las artistas nacionales más relevantes del siglo XX.
La exposición “ArchivoAbierto: Lamis Feldman” cuenta con la curaduría de Luis Romero, codirector de ABRA, e incluye una selección de más de sesenta obras de Feldman, que funcionan como recorrido histórico de su práctica.
Según afirma la investigadora Rigel García en el texto de sala, “ArchivoAbierto: Lamis Feldman se aproxima a la trayectoria pionera de esta creadora en el ámbito del esmalte sobre metal en Venezuela, a través de una selección de piezas elaboradas en un período aproximado entre 1968 y 1989. Desde los collares y placas de sus inicios, pasando por las tradicionales formas abiertas de bowls y platos, hasta las inusitadas formas cerradas, piezas “desintegradas”, envoltorios y latas, entre otras; el conjunto exhibido da cuenta de la diversidad de tipologías formales y hallazgos en materia de color y textura con los que Feldman redimensionó la disciplina del esmalte sobre metal en nuestro país […]”. Adicionalmente, en sala se podrá acceder a material de archivo como catálogos, diapositivas y videos sobre la artista, que dan cuenta del desarrollo de su obra.
Feldman ha dedicado su carrera al estudio perenne de las posibilidades de la forma y el color, enfocándose en especial, pero no exclusivamente, en el esmaltado. Elementos reconocibles del día a día pasan a ser, por un lado, la presentación final de un proceso de análisis paciente e ilustrado que evidencia experticia técnica y estética, y por otro, una prueba para encontrar resultados alternativos a los que ya se han producido antes.
Desde la apertura de ABRA, en febrero de 2016, la galería procura -a través de su programa ArchivoAbierto- impulsar el resguardo, la valoración y el estudio de archivos del arte contemporáneo de Venezuela. Este año, el foco en Lamis Feldman se suma al catálogo de exhibiciones dedicadas a creadores, movimientos o sucesos relevantes de la historia artística venezolana. Las ediciones anteriores estuvieron dedicadas a Carlos Zerpa (2016), Pedro Terán (2017), Desinencia-a (2018), Maruja Rolando(2019 – 2020), Luis Villamizar (2021), la revista Entendido (2022 – 2023) y el Museo Vial Renovable “Rafael Bogarín” (2023).
“ArchivoAbierto: Lamis Feldman” podrá ser visitada hasta el domingo 14 de abril de 2024, en el galpón 6 del Centro de Arte Los Galpones, ubicado avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado de 10:00 am a 6:00 pm y los domingos de 10:00 am a 4:00 pm.
Lamis Feldman [Maracaibo, Venezuela – 1936]
A pesar de haber estado bajo la tutela de Ricardo Arrúe a finales de la década de los cincuenta, su investigación artística inicia realmente en 1968 de manera autodidacta. Ese mismo año, inauguró su primera exposición individual Metales paralelos (Galería El Puente, Caracas). Durante sus inicios, Feldman se concentró en la producción de formas variadas y objetos abiertos como collares, paneles, cajas y tazones.Posteriormente, incorporó a su investigación la observación de las reacciones químicas y moleculares que tienen metales como oro, plata y similor al entrar en contacto con el esmalte. A partir de 1972, su trabajo se inclinó hacia las formas cerradas, en base a moldes colapsables o a soldadura con cobre. En esta época, experimentó con el color en formatos muy pequeños. En 1973, culmina su Licenciatura en Letras de la Universidad Central de Venezuela con la publicación de un libro de poemas, titulado Olor a Daturas. En estos años, inició su investigación con la no-forma y suma a su práctica los tejidos metálicos en placas montadas sobre diferentes materiales.
Hizo historia con su Conjunto de esmaltes sobre metal al recibir el Premio Nacional de Artes del Fuego en 1980, cuando la especialidad de esmalte es galardonada por primera vez con ese reconocimiento.
Con más de cinco décadas de trayectoria, Feldman se establece como una de las artistas venezolanas más resaltantes del siglo XX. Su obra ha sido expuesta en más de 40 muestras individuales y más de 120 colectivas, a nivel nacional e internacional, entre las que se pueden nombrar: Esmaltes (individual – 1976, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela); Alkimiae 18 (individual –1980, Sala de Exposiciones Fundación Eugenio Mendoza, Caracas, VE); Feldman-Filomeno Enamels and paper Assemblages(individual – 1982, Sutton Gallery, Nueva York, EEUU); Grabado 8 (colectiva – 1969, Galería Snack, Córdoba, AR); III Salón Nacional de las Artes del Fuego (colectiva – 1975, Sala de Exposiciones de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo, Valencia, VE); Venezuelan Culture (colectiva – 1975, Universidad de Nebraska, Lincoln, EEUU); Esqueje (colectiva – 2016, Galería ABRA, Caracas, VE); ¡Salve Corypha! (colectiva – 2003, Galería de la Dirección de Cultura de la Universidad Central de Venezuela, Caracas, VE); entre muchas otras. Su trabajo ha sido premiado en distintas ocasiones a lo largo de los años y forma parte de numerosas colecciones como la del Museo de Bellas Artes y de la Galería de Arte Nacional (Caracas, Venezuela), la colección de La Casa Blanca (Washington D.C., Estados Unidos), así como una variedad de colecciones privadas alrededor del mundo.
Galería ABRA presenta exposición individual de Oscar Abraham Pabón
El sábado 27 de enero de 2024, a las 10:00 a.m., la galería ABRA inaugurará en el galpón 9 del Centro de Arte Los Galpones su primer proyecto expositivo del año, con la muestra individual CON EL NORTE HACIA ABAJO, del artista tachirense Oscar Abraham Pabón.
La exhibición cuenta con piezas realizadas en diferentes técnicas y formatos, como instalaciones, impresiones sobre fragmentos de ladrillo, una acción desarrollada en el espacio de la galería y un patrón hecho con arcilla que cubrirá parte de la sala. En total se podrán apreciar seis obras producidas entre 2023 y 2024.
En palabras del artista, “CON EL NORTE HACIA ABAJO» es un título que señala la forma en que se percibe algo. Es una tentativa, una aproximación que comprende el proceso de mirar. Al invertir metafóricamente la imagen del territorio venezolano demarca que el que mira es un otro que forma parte de un nosotros”. Asimismo, comenta que la muestra “presta atención a elementos arquitectónicos que son estructuras de un mundo interno y tienen correspondencia con estructuras externas”.
Esta muestra hace referencia a la individual De la herencia a lo heredado, presentada por Pabón en el año 2011 en la galería Oficina #1. “Las preocupaciones y la búsqueda han sido recurrentes. La materialidad, la imagen y la historia de la ciudad contemporánea. Cada una de las obras a mostrar poseen sus propios procesos, diarios de trabajo con esquemas, textos, imágenes e ideas que evolucionan y se relacionan mutuamente”, afirma Pabón.
La exposición CON EL NORTE HACIA ABAJO estará abierta al público hasta el domingo 3 de marzo de 2024 en el galpón 9 de la galería ABRA, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas. El horario es de martes a sábado de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m.
El diseñador Álvaro Sotillo presenta su relato: ‘Gego: Fragmentos de memoria en torno al diseño’
El jueves 25 de enero de 2024, a las 4:00 p.m., el diseñador gráfico venezolano Álvaro Sotillo ofrecerá en el (G17) del Centro de Arte Los Galpones su relato “Gego: Fragmentos de memoria en torno al diseño”, una narración vivencial sobre su vínculo a través del diseño con la artista y educadora alemana-venezolana Gego (Gertrud Goldschmidt).
Este relato surge gracias a un encargo de Pablo León de la Barra y Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curadores de la exhibición “Gego: Measuring Infinity”, y su primera presentación fue realizada por Sotillo en el contexto de dicha exhibición en el Museo Guggenheim de Nueva York, el 12 de mayo de 2023, en el Simposio: “Gego: Weaving Lines of Thought”, junto a Mónica Amor, Vered Engelhard, Sean Nesselrode Moncada, Luis Pérez-Oramas, Mari Carmen Ramírez y los curadores Pablo León de la Barra y Geaninne Gutiérrez-Guimarães. Posteriormente, el 29 de noviembre de 2023, fue presentado por primera vez en Venezuela, en el Espacio Mercantil, Caracas.
La narración en el relato de Álvaro Sotillo, abarca un período que va desde su formación inicial en diseño, en los años sesenta, hasta el diseño del catálogo de la exposición: «Gego: Measuring Infinity», organizada por el Museo Guggenheim de Nueva York.
Acompañado por alrededor de 300 imágenes que incluyen obras de Gego, registro de exposiciones, publicaciones, fotografías testimoniales e identidades gráficas, algunos videos y animaciones; el relato brinda la oportunidad de conocer en primera persona la experiencia de 60 años de trayectoria de Álvaro Sotillo con la obra de Gego, desde que fue su alumno en el Instituto Neumann, luego como su colaborador y como diseñador de varias de sus publicaciones.
“Nos demuestra cómo la investigación artística de Gego avanza mientras que sus discípulos se van formando; nos invita apreciar el entramado entre la cultura, el arte y el diseño, en los años 1960 al 2000, y cómo esa relación fue estructurando el pensamiento de diseño en nuestro país”, según se explica en el texto de presentación del evento.
Álvaro Sotillo (1946), su diseño editorial es reconocido desde 1975 en los concursos alemanes «Los libros más bellos del mundo» y la «Exposición Internacional del Arte del Libro» donde destacan las tres Letras de Oro La Emblemática de Gerd Leufert (1985); Diccionario de Historia de Venezuela segunda edición (1999) y Geohistoria de la sensibilidad en Venezuela (2008). En 2005 recibe el «Premio Gutenberg de la ciudad de Leipzig». Desde 1997 es miembro de la «Alianza Gráfica Internacional» AGI. Actualmente dirige y trabaja en su estudio «VACA» y en «Laboratorio de Tipografía de Caracas».
El evento de presentación del relato “Gego: Fragmentos de memoria en torno al diseño”, de Álvaro Sotillo es organizado por el Laboratorio de Tipografía de Caracas, en alianza con la Fundación Gego, Mobel y Centro de Arte Los Galpones.
“Gego: Fragmentos de memoria en torno al diseño” se llevará a cabo el jueves 25 de enero de 2024 a las 4:00 p.m., en el (G17) del Centro de Arte Los Galpones (avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas). La entrada es libre.
«Entre Dos Aguas», la integración de dos culturas. Exposición del fotógrafo venezolano Jesús Salazar
La muestra fotográfica, que actúa como un cierre a la etapa vital del artista en China, explora las emociones encontradas que surgieron durante su adaptación a la vida en el extranjero.
La exposición «Entre Dos Aguas», gestionada y producida por el ecosistema cultural Boom! Art Community, presenta una emotiva y reflexiva mirada a las complejidades del proceso migratorio, centrada en la experiencia única del fotógrafo venezolano, Jesús Salazar durante su traslado desde el cálido Caribe hasta su nuevo hogar en Shenzhen, China.
Jesús Salazar, reconocido fotógrafo, encontró en Shenzhen un escenario rico en contrastes y emociones al confrontar la nostalgia de su hogar original con las realidades de su nueva vida. La exposición refleja su transformación artística y personal a medida que supera la «morriña» (Tristeza o melancolía, especialmente la nostalgia de la tierra natal) y descubre similitudes culturales entre el Caribe y Shenzhen.
La muestra, que será expuesta en el Espacio Lobo, está organizada como un recorrido temático que aborda la resiliencia, un componente esencial en la migración, mediante obras acompañadas de textos personales del Artista. A través de esta propuesta de la comisaria invitada, Anne Martínez Monge, Salazar destaca similitudes entre la cultura china y venezolana, explorando temas como el trabajo, la familia, el respeto por los ancianos y la coexistencia entre la naturaleza y las megalópolis.
«Entre Dos Aguas» se sumerge en el duelo migratorio de Salazar, capturando la esencia de su conexión entre el Mar Caribe y Nán Hǎi a través de una narrativa visual única. La exposición ofrece al espectador una experiencia sensorial, acompañada de textos autobiográficos del artista, que invitan a reflexionar sobre la universalidad de las experiencias migratorias.
La comisaria invitada Anne Martínez Monge destaca la importancia de esta muestra como una exploración artística que trasciende fronteras y conecta emocionalmente a los espectadores con la experiencia de Salazar. «Entre Dos Aguas» promete ser una exhibición reflexiva que invita a contemplar el proceso de adaptación y la búsqueda de identidad en medio de dos mundos distintos.
Será exhibida la fotografía ganadora del 1º premio en el Concurso Shenzhen Daily Expat Photo Contest en China en 2019 -premio que Jesús Salazar ganó también en el año 2020- y que derivó en una invitación, al Artista, por el gobierno chino para retratar comunidades en Sanya, Sichuan y la minoría étnica Miao de Guizhou.
Sobre el Artista Jesús Salazar
Jesús Salazar es miembro de la comunidad artística de Boom! Art Community, en España.
Nacido en Maracay, Venezuela, en 1983, considera que la fotografía es la ilustración de la poesía, y su trabajo refleja su experiencia y conexión con los objetos retratados. Aunque estudió ingeniería geológica, descubrió su pasión por la fotografía.
Ha viajado extensamente, capturando imágenes en Venezuela, Latinoamérica, Europa y Asia. Además de ser fotógrafo, fue profesor de Geología en la Universidad Central de Venezuela y dio clases de Fotografía en China. Actualmente, se desempeña como responsable de proyectos relacionados con la España rural.
Entre sus logros recientes, destacan la publicación del libro «Odemiradas que contam historias» en Portugal, una exposición individual en Madrid titulada «Miradas cercanas, miradas lejanas, miradas serendípicas», y fotos publicadas por National Geographic Portugal. Publicó el Foto Libro «Objetivo Geopark» en Portugal en 2019, con el apoyo de UNESCO y la Comunidad Europea.
Entre Dos Aguas. Desde el 13 de enero en Espacio Lobo. Calle de Ayala, 62. Madrid
Ascaso Gallery presenta exposición de Jesús Soto en Miami
La obra del maestro Jesús Soto llega a Ascaso Gallery, con una exposición inaugurada recientemente en Miami bajo el título “Soto. Vibración Pura. Centenario 1923–2023”, en colaboración con el Atelier Soto de París y la Fundación Soto de Caracas, con motivo de conmemorarse los 100 años del nacimiento de este importante creador, considerado uno de los principales representantes del arte cinético en Venezuela.
Esta muestra, que reúne una selección de obras realizadas por Jesús Soto entre 1951 y 2004, es la primera exposición individual de este artista que la Galería de Arte Ascaso presenta en su espacio de Miami, y la quinta exposición individual que realiza de él desde la creación de la galería en 1989, desarrollando diversas lecturas de la obra de Soto en sus sedes de Valencia, Caracas y Miami.
Según afirma la curadora e investigadora María Elena Ramos en el texto que acompaña la exposición, “Jesús Soto se consideraba a sí mismo un eslabón de la cadena de la historia del arte, con los hitos que para él fueron perfilando los impresionistas, Cézanne, Mondrian, Malevitch, pero también, desde más atrás, un creador como Giorgone y hasta los anónimos que dejaron sus imágenes en las cuevas de Altamira, fijas sobre la roca pero a la vez dinámicas en su apariencia”.
De acuerdo a María Elena Ramos, Soto dedicó buena parte de sus investigaciones “a hacer que el espectador se quedara frente a la obra, con lo que fue extendiendo su creación —plástica, espacial— al tiempo y al movimiento”.
“En la medida en que el arte fue pasando de verdad a representación, y luego progresivamente a no-representación, la luz hizo importantes aportes al creciente proceso de apertura de las formas. Y funciones inicialmente metafísicas de la luz, o funciones realistas y narrativas de la luz sobre las figuras, van a ser sucedidas por otras maneras de la luz. La penetración irrumpiría entonces en las anteriores corporeidades del arte. La obra de Soto da un paso más radical cuando hace una luz que hiende las formas, des-materializando la obra y generando una vibración que inestabiliza cualquier previa ilusión de quietud”, señala la investigadora.
En palabras de María Elena Ramos, “Las exploraciones de Soto en el tema de la luz tienen así una doble vertiente: por una parte, en lo que su obra tiene de construcción de formas y, por otra, en su necesidad de disrupción de las formas, siendo así que no sólo se inserta en la tradición de la luz que constituye, sino también en la —más moderna y ruptural— tradición de la luz que busca desestabilizar. Su obra es tanto deudora como creadora en ambos modos del arte”.
“En esas búsquedas Soto utiliza elementos muy específicos, como la línea y su multiplicación. Esa multiplicidad de líneas centra, por una parte, las estructuras racionales y abstractas de sus obras y, por otra, se convierte en zona dinámica por sí misma, área vibrátil para construir obras que son abiertas hacia el espacio y la luz; y que son abiertas por el espacio y la luz. Todos esos factores —la luz, la multiplicación de las líneas, la vibración perceptual, el quedarse en el tiempo y duración de la obra, el movimiento del ojo y del cuerpo—, se conjugarían para crear la muy personal participación de Soto en el cinetismo. Un cinetismo de la vibración, podríamos agregar”.
“Jesús Soto llega a hacer de la vibración —eso tan frágil por naturaleza— una de las más firmes constantes de su obra. Y convierte esa inestabilidad vibratoria que se genera para la visión en estructura definitoria y elemento estable de su lenguaje. En la búsqueda de su utopía de la ‘idea pura’, había ido creando la luminosa vibración pura que acompañó su trayectoria y que define sus obras mayores. Su tridimensionalidad vibrante lo llevaría más allá en el camino de las obras abiertas”, expresa María Elena Ramos.
Nacido en Ciudad Bolívar, Jesús Rafael Soto (1923 – 2005) desarrolló una amplia y reconocida trayectoria artística durante la cual recibió numerosas distinciones, entre las que destacan el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela en 1984 y el Premio Nacional de Escultura otorgado en Francia en 1995, y su trabajo se ha exhibido en importantes exposiciones a nivel internacional.
Según el texto del catálogo de la muestra, desde sus inicios Soto intenta ir más allá de la representación bidimensional de las formas geométricas con el fin de introducir el movimiento, utilizando para ello el método de la repetición. En 1953 explora la tridimensionalidad, al superponer dos placas de plexiglás pintadas que parecen animarse con el desplazamiento del espectador. Siguiendo este mismo procedimiento, en 1957 lleva a cabo sus primeras Vibrations, piezas constituidas por marañas de hilos de metal y materiales que consigue en la calle, colocados sobre una superficie estriada en blanco y negro: la trama, creando así el efecto moiré. Soto va radicalizando y sistematizando la utilización de esta trama como soporte, superpone elementos diversos (varillas suspendidas y móviles, cuadrados de metal o elementos a los que llama tes: pequeñas piezas metálicas en forma de T), que aparecen y desaparecen de acuerdo con el movimiento del espectador, dejando entrever un espacio “intersticial”: la vibración, el vaivén de lo invisible y lo visible, de lo material y lo inmaterial. En 1967 realiza sus primeros Penetrables, piezas compuestas por varillas de metal o filamentos de nylon suspendidos en el espacio. El artista invita al espectador a penetrar, a desplazarse, a integrarse a la obra.
En 2023, año centenario de su nacimiento, se rinde homenaje al artista mediante numerosas exposiciones como las que se organizan en la Galería RGR de México, Dan Galería de São Paulo, Hispanic Society de Nueva York, el Coral Gables Museum y la Galería Ascaso de Miami, además de, en Venezuela, los museos de Bellas Artes y de Arte Contemporáneo de Caracas, el Centro Cultural B.O.D. y Centro Banaven Cubo Negro, entre otras.
La exposición “Soto. Vibración Pura. Centenario 1923–2023”, se estará exhibiendo hasta el 29 de febrero de 2024, en Ascaso Gallery, 1325 NE 1st Ave. Miami, Florida, Estados Unidos. El horario es de lunes a sábado de 10:00 a.m a 6:00 p.m.
www.ascasogallery.com / @ascasogallery
Los reflejos cromáticos, homenaje y diálogo
El artista plástico venezolano, Juvenal Ravelo, inauguró una exposición que reúne sus trabajos más recientes en la sal de CCAM. Una muestra que contó con el patrocinio de Telefónica Movistar, la Embajada de Francia y del citado centro cultural.
Mayte Navarro
Juvenal Ravelo. Reflejos Cromáticos: Homenaje a Soto, Cruz-Diez y Otero es el nombre de la exposición del artista nacido en Caripito que se inauguró en el Centro Cultural de Arte Moderno (CCAM), ubicado frente a la Plaza La Castellana, Caracas.
Esta muestra contó con el patrocinio de la Fundación Telefónica Movistar y la Embajada de Francia, reuniendo las obras más recientes de Ravelo, quien ha querido rendir homenaje a los grandes maestros del Cinetismo: Soto, Cruz-Diez y Otero.
En esta oportunidad se presentó el libro Fragmentación de la luz y el color, que recoge el sentido de la obra de Juvenal Ravelo, el enfoque de la corriente cinética, sus investigaciones y su deseo de salir de los espacios cerrados para desarrollar un proyecto comunitario al llevar su arte a la calle y plasmarlo en la vía pública.
Esta obra fue editada por la Fundación Telefónica Movistar, institución que desde sus inicios ha puesto de manifiesto la importancia que concede al arte como instrumento para educar y sensibilizar a la población.
En el acto estuvieron presentes María Beatriz Hernández de Vargas, Víctor Vargas Irausquín, Emmanuel Pineda, embajador de Francia; José Luis Rodríguez Zarcos, presidente de Movistar Venezuela; Inés Sandra Machado, directora de la Fundación Telefónica Movistar; y Élida Salazar, curadora de la exposición y gerente de Artes Visuales del Centro Cultural de Arte Moderno CCAM.
En sus intervenciones destacaron la trayectoria de Ravelo, quien a sus 89 años se enfrenta a lienzos de gran formato con una energía casi juvenil. Su afán de conocimiento lo lleva a investigar constantemente. Las nuevas tecnologías también se incorporan a sus creaciones y desde hace tiempo dejaron de ser ajenas a su acto creativo. Ravelo manifestó con emoción que el libro Fragmentación de la luz y el color, viene a completar su trayectoria, se convierte en una manera de perpetuar su trabajo y contribuye a comprender mejor la obra de Ravelo porque contiene textos de críticos de arte y del propio artista que lo explica.
Por su parte, José Luis Rodríguez Zarco, presidente de Telefónica, al intervenir explicó que tanto el libro como la exposición permiten ampliar el conocimiento sobre la obra del maestro, exponente del cinetismo en el país.
Afirmó que en Fundación Telefónica Movistar el arte se considera como un instrumento revalorizador de los espacios públicos de allí que la institución haya acompañado a Ravelo en murales y exposiciones.
Élida Salazar, curadora de la muestra y gerente de Artes Visuales del CCAM, agregó que Reflejos Cromáticos también habla de Ravelo y su relación con Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez y Alejandro Otero, sus compañeros de ruta y pilares del cinetismo venezolano. Con ellos compartió reflexiones en torno al hecho artístico.
María Beatriz Hernández de Vargas, presidenta de CCAM subrayó lo dicho por los otros oradores en cuanto a la importancia de esta exposición, además reflejó en sus palabras el interés del centro en continuar siendo una ventana para los artistas venezolanos de todas las corrientes.
Reflejos Cromáticos. Homenaje a Soto, Cruz-Diez y Otero, permanecerá abierta en la sala de exposiciones del CCAM hasta el 25 de febrero de 2024, en el horario comprendido entre martes a domingo, de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. Incluye talleres, conferencias, visitas guiadas y una sesión de arte participativo.
Otra buena noticia es que el libro va a tener una versión digital que estará disponible en https://www.fundaciontelefonica.com.ve/.
Manaure Peñalver y su visión del «Art Graffiti»
El artista venezolano radicado en Nueva York plasma sus habilidades de arte callejero en una serie de accesorios de edición limitada y en piezas de exhibición
Fotografías: Leo Ng, Laili Lau y Manaure Peñalver
Al igual que la naturaleza, la calle siempre lo ha inspirado. Por más de 20 años Manaure Peñalver, ha encontrado en avenidas y lugares para transitar, motivos tantos para explorar y crear. Y en el graffiti, el medio para hacer tangible su arte. El joven nacido en el oriente de Venezuela, le atribuye a Caracas, a la zona de Los Palos Grandes propiamente, su vinculación directa con el arte urbano. Allí convivió con amigos que eran DJs, y con otros jóvenes que estaban inmersos en este mundo de patinetas, spray y movimiento callejero. “Ellos fueron una gran influencia para mí. A raíz de esto, realicé una serie de exposiciones de Skate Art, de 2005 hasta 2013, y aunque fue algo local, resultó el principio de este camino”, dice.
Sin embargo, Peñalver y su arte no fueron ajenos al éxodo experimentado por muchos venezolanos. Por lo que, desde hace más de 6 años, Brooklyn, Estados Unidos, se ha convertido en su hogar, pero también en el lugar donde ha podido seguir desarrollándose artísticamente.
En este distrito estadounidense Manuare Peñalver ha expuesto en los últimos tiempos, su trabajo creativo en galerías y centros de arte emergente, como en Greenpoint Gallery donde hace poco presentó su exhibición «High Tide» constituida por una serie de pinturas realizadas en acrílico sobre lienzo que hablan de surf y mar, con referencias al hip-hop y al skateboarding, y donde muestra por medio del arte, dos realidades que nos unen como seres humanos: la mortalidad y la permanencia. La mayoría de los cuadros son formatos reciclados, obtenidos de piezas de arte decorativo rescatadas de la basura.
Una propuesta que se diversifica
En Brooklyn, el artista ha visto evolucionar su propuesta, abriéndose paso a nuevos horizontes y enfoques. “Tras décadas dibujando los motivos que identifican mi trabajo: las calaveras fantasmas y los cocodrilos, quise rendir homenaje a estos 20 años de arte callejero presentando una serie de bufandas que llevan en sus diseños (en color negro, azul y anaranjado), elementos gráficos que son parte de mi ADN. Además, incluí también el nombre de la ciudad de Nueva York, que es tan importante para mí”, comenta.
La novedad de Peñalver en este caso, tiene que ver con la forma como ha integrado la sustentabilidad en sus accesorios, y es que las bufandas son creadas a base de algodón orgánico certificado y tintas a base de agua con bajo impacto ambiental. “Elegí trabajarlo de esta manera, influenciado por mi esposa Laili Lau, quien es diseñadora de moda y siempre ha estado interesada en este tema, ya que su marca homónima es de slow-fashion. Inmediatamente lo ideamos así”.
La serie de complementos son de edición limitada. “Como dicen aquí «one-off» (un solo tiraje). No tiendo a repetir los artículos coleccionables. Trato que sean objetos utilitarios. Veremos que otra pieza trae el futuro. He pensado en platos o tazas para acampar”.
De acuerdo con Peñalver las piezas estarán disponibles en algunas tiendas de diseño en Brooklyn, pero hay más. “A través de mis redes sociales pueden hacer sus pedidos (y de regalo les compartiré algunas sorpresillas más). Realizamos envíos a cualquier rincón del planeta”.
Ya sea en las galerías, con sus obras exhibidas, con sus piezas de colección, o las que comparte en las vías públicas, Manuare es claro al afirmar que, “el arte callejero ha sido un regalo fantástico, una manera de conocer cada ciudad que visito, de conocer gente con quien aparentemente no comparto nada y terminan siendo mis amigos por décadas. La verdad no sería la misma persona sin esta actividad. Así como ayer, hoy la calle me sigue conquistando”.
Instagram: @manaure45
El arte protagoniza el Día de Panamá
La artista plástica Olga Sinclair inauguró una muestra de sus pinturas recientes en Espacio Mercantil, de esta manera se celebraron los 120 años de independencia del país centroamericano.
Mayte Navarro
Con motivo de la celebración de los 120 años de la Independencia de Panamá, Juventino Caballero, encargado de Negocios de la Embajada de ese país invitó a la apertura de la muestra de la reconocida artista panameña Olga Sinclair, que tuvo lugar en Espacio Mercantil, galería ubicada en la urbanización Altamira.
Durante el acto tomó la palabra Juventino Caballero quien hizo referencia a algunos datos históricos de Panamá y también se refirió a Olga Sinclair, esposa de Ramón Santos, embajador de España acreditado en Venezuela. Sus palabras se refirieron a la trayectoria de Sinclair en el campo artístico ya que es una pintora reconocida internacionalmente, con estudios en importantes academias europeas.
También intervino la artista que expone en estos espacios del Mercantil, donde expresó su complacencia y el honor de poder inaugurar en un día tan relevante para los panameños.
Sinclair es hija de Alfredo Sinclair Ballesteros, considerado el primer pintor panameño en explorar el expresionismo abstracto.
Entre sus maestros figura Umberto Giangrandi con quien empieza a indagar en el grabado. La escultura también llamó su atención e incursiona en ella presentando sus trabajos en Panamá y en México.
En el catálogo de presentación de esta exposición se explica cómo Olga Sinclair parte de lo natural para desarrollar su trabajo pictórico basado en la abstracción.
El curador de la exposición fue Emilio Narciso, encargado de las colecciones de Espacio Mercantil.
Con esta muestra no sólo se recuerda la independencia de Panamá, país centroamericano conocido universalmente por ser ese lugar que, gracias al Canal de Panamá, una de las grandes obras de ingeniería del mundo, hace más fácil el comercio internacional.
El arte es otra de las actividades que tienen arraigo en los panameños. Encontramos músicos, actores relevantes. Otro ejemplo de ello es la expositora, quien es hija de un gran creador de ese país y orgullo de su nación.
En cuanto a Olga Sinclair, se ha hecho merecedora de varias distinciones por su interés de inculcar valores y amor hacia el arte y utilizarlo como un camino para desarrollar la personalidad de los niños, labor que desarrolla en la fundación que lleva su nombre y cuyo objetivo es formar seres humanos íntegros a través del contacto con las artes.
Entre las distinciones que ha recibido figura el premio Mujer Destacada del Año 2011 por la Asociación de Ejecutivos de Empresa (APEDE), y fue nominada al Premio Tagore por la Armonía Cultural del Ministerio de Relaciones Exteriores de Panamá.
En esta ocasión sus cuadros de gran formato llenan la sala y hablan del dominio del lenguaje poético en la pintura.
Juventino Caballero ratificó el orgullo y el placer de inaugurar la muestra de una panameña en un día de tanto significado para ese pueblo.
Las galerías ABRA y Ana Mas Projects participarán conjuntamente en ARTBO 2023
La galería venezolana ABRA participará en conjunto con la galería española Ana Mas Projects en la Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARTBO, que se llevará a cabo del 23 al 26 de noviembre de 2023, en Ágora Bogotá Centro de Convenciones, Colombia.
Para esta edición de ARTBO, las galerías ABRA y Ana Mas Projects mostrarán el trabajo de los artistas Regina Gimenez y Sheroanawe Hakihiiwe dentro de la sección Proyectos, comisariada por Claudia Segura.
Gimenez y Hakihiiwe desarrollan narrativas propias y procesos creativos donde unen lo ancestral con lo contemporáneo en un tiempo fragmentado en el que coexisten pasado y presente, lo real y lo imaginado. La propuesta une por vez primera la obra de ambos artistas en un mismo espacio expositivo, vinculando su producción y generando nuevas lecturas entre sus obras. El proyecto busca incidir en el diálogo, las sintonías y sincronicidades entre sí, así como el carácter curioso y atento de los dos artistas “recolectores de fragmentos producidos por la actividad humana o sus imaginarios en torno a la noción de la naturaleza” (cita extraída del texto curatorial).
ARTBO 2023 estará abierta al público desde el jueves 23 hasta el domingo 26 de noviembre de 2023, en Ágora Bogotá Centro de Convenciones, Colombia.
Regina Gimenez [Barcelona, España, 1966]
Parte en sus obras de la apropiación de elementos extraídos de antiguos atlas, libros de geografía y cosmología, y su reorganización en nuevas composiciones, eliminando cualquier lógica política y enfatizando su condición simbólica hasta el punto de darles una autonomía conceptual y formal propia. Una exploración que da como resultado un universo particular de formas geométricas, de códigos comunicativos que se replantean y que llevan al surgimiento de nuevas lecturas sobre la imagen y su significado.
Sheroanawe Hakihiiwe [Sheroana, Venezuela, 1971]
Es un artista indígena residenciado en Platanal, comunidad yanomami en el Alto Orinoco, quien desde la década de los noventa ha venido desarrollando, desde el dibujo y la pintura, un trabajo orientado al rescate de la memoria oral de su pueblo, su cosmogonía y tradiciones ancestrales. El artista desarrolla un lenguaje sintético, concreto y mínimo sobre la vasta e intensa relación que tiene su comunidad con la selva, comprendida como una entidad viva e indisoluble de la existencia del pueblo yanomami. Algunas obras de Hakihiiwe también estarán exhibidas en la sección de Referentes de la feria, curada por Julieta González.
Galería de Arte Ascaso exhibe selección de obras de su acervo
La Galería de Arte Ascaso de Caracas exhibirá un conjunto de obras entre pinturas y esculturas pertenecientes a su acervo, en una exposición que será inaugurada el 19 de noviembre de 2023 bajo el título “Encuentros”, con la selección y museografía a cargo de Mariele Araujo Zujur.
La muestra reúne obras de importantes artistas como Félix Perdomo, Manuel Quintana Castillo, Oswaldo Vigas, Onofre Frías, Alirio Palacios, Luisa Richter, Francisco Narváez, Carlos Medina, Jorge Seguí, Adonay Duque, Héctor Ernández, Schuster & Zajac, Carmelo Niño, Luis Guevara Moreno, Carlos Zerpa, y Arturo Correa.
Según se explica en el texto de presentación, se trata de una importante exposición colectiva que con una impecable museografía, presenta trabajos seleccionados por su calidad plástica y solidez formal, en la que se exponen nombres de maestros fundamentales todos protagonistas de la historia del arte de Venezuela y cuyas obras son representativas de las diferentes tendencias plásticas que ha recorrido esta historia a lo largo del pasado siglo y parte de este que estamos transitando.
“Cada uno de los artistas que conforman la exposición ‘Encuentros’, como el título lo define, exhibe una obra marcada por aquellas estéticas propias de los intereses y preocupaciones formales correspondientes a los momentos históricos, culturales y artísticos dentro del que les ha correspondido desarrollar un trabajo propio. Bajo la influencia de la época cultural y plástica tanto nacional como internacional, han podido ofrecer un resultado sólido en todos los ámbitos creativos, bien en la figuración como en la abstracción, aunque en ‘Encuentros’, predomina el poder de la figura”.
La muestra permanecerá en exhibición hasta marzo de 2024, en la Galería de Arte Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, Las Mercedes, Caracas. El horario es lunes a viernes de 11:00 a.m a 4:30 p.m.
Oswaldo Vigas en una mirada introspectiva
El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México acoge la exposición del artista venezolano en el centenario de su nacimiento y establece un diálogo con otros creadores latinoamericanos
Mayte Navarro
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), a través del Museo de Arte Moderno (MAM), inauguraron la exposición Oswaldo Vigas. Mirar hacia adentro, la cual explora, al cumplirse el primer centenario del nacimiento del artista plástico venezolano, obras fundamentales de su prolífica carrera, así como sus intereses intelectuales, en diálogo con otros creadores venezolanos, latinoamericanos y europeos de la época.
Oswaldo Vigas. Mirar hacia adentro es la primera muestra individual del artista venezolano en Ciudad de México y reúne más de 100 obras del pintor, ceramista, escultor. La curaduría de la exposición que estará abierta hasta el 11 de febrero de 2024, corresponde a Carlos Palacios, en colaboración con la Fundación Oswaldo Vigas.
En cuanto al curador Palacios, se trata de un venezolano que ha desarrollado su carrera en el exterior. Ha sido profesor en la Maestría en Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en Cuernavaca (México). Es maestro en Estudios Curatoriales del Centro de Estudios Curatoriales de Bard College, Nueva York y posee un diplomado de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Egresó de la Universidad Central de Venezuela como licenciado en Artes Plásticas.
En cuanto a la exposición, destaca la mirada precursora del artista, que refleja su atención hacia su país, sus pobladores y su cultura popular. Vigas encontró en las manifestaciones materiales de la historia prehispánica y en las culturas indígenas, leyendas y mitos, la motivación que orientó su obra pictórica.
Oswaldo Vigas se convirtió en pieza clave para entender el contexto modernista de Latinoamérica. En París formó parte de ese círculo protagónico de la década de los 50. Su obra abarca desde finales de los años cuarenta del siglo XX hasta 2014, año de su deceso.
La importancia de Vigas está en su lenguaje pictórico que lo ubica como un precursor de la modernidad. La investigación centró su actividad creativa, por ello indagó en el cubismo, el surrealismo, el constructivismo, el informalismo y la neofiguración, obteniendo como resultado un lenguaje propio, al que le fue fiel. A esta actividad investigativa se sumó la búsqueda de la identidad, tanto la propia como la del país. Necesitaba entender el mestizaje y labró así sus convicciones, conduciéndolo a obtener una imagen artística propia.
Por eso no extraña encontrar en esta exposición la reproducción de una de las zonas de su taller donde todavía se resguarda una colección de piezas precolombinas, ya que allí encontró respuestas a su constante búsqueda.
Oswaldo Vigas. Mirar hacia adentro sumerge al espectador en el Modernismo y enfrenta en un interesante diálogo a Oswaldo Vigas con artistas de la talla de Manuel Álvarez Bravo, Thea Segall, Carlos Orozco Romero, Wifredo Lam, René Portocarrero, Joaquín Roca Rey, Carlos Mérida, Francisco Matto, Lilia Carrillo, Pierre Alechinsky, Oswaldo Guayasamín, Rufino Tamayo, Emiliano Di Cavalcanti y Elsa Gramcko, en total suman 27, cuyas obras pertenecen al MAM o forman parte de colecciones públicas o privadas.
“Oswaldo Vigas. Mirar hacia adentro” está divida en tres núcleos: En búsqueda de lo primitivo, recorrido por los referentes culturales y las manifestaciones artísticas de naturaleza etnográfica de África y América, para cerrar con el arte prehispánico venezolano. Segundo núcleo, Mirar a Venezuela, revisión profunda de la influencia del arte prehispánico de los indígenas de Venezuela en el trabajo del pintor, así como las tradiciones y creencias populares locales.
El último núcleo, Latinoamérica y lo local: tiempo de mitos y magias, revisa a diversos artistas, europeos y latinoamericanos que, como Vigas, se sirven de la ficción, el mito y la idea de un tiempo mágico para expresar su realidad.
El cineasta Lorenzo Vigas, presidente de la Fundación e hijo del Maestro Oswaldo Vigas, pronunció las palabras en el acto inaugural donde estuvieron presentes personalidades del mundo del arte y la escena mexicana. Una vez más, el director de El vendedor de orquídeas, dibujó la relación que existió entre su padre y él, al mismo tiempo que dejó claro lo importante que es preservar lo cultural pos ser una referencia indispensable dentro de la identidad de un país.
Llega la XVII Subasta de Fundana 2023
El domingo 29 de octubre a partir de las 11:00 a.m. se llevará a cabo en Ciudad Banesco, la subasta de más de 120 obras donadas por reconocidos artistas
Mayte Navarro
Fundana anuncia la XVII subasta de arte que tendrá lugar el 29 de octubre de 2023, una actividad destinada a apoyar a los niños de que atiende Fundana en sus centros Los Chiquiticos, donde reciben amor por parte de las madres cuidadoras y gozan de los servicios de salud, psicología y educación. Estos menores se encuentran en un estado de vulnerabilidad y exigen nuestro apoyo.
La subasta está precedida por una exposición que se podrá visitar el sábado 28, de 10 a.m. a 3.30 p.m. en el piso 3 de Ciudad Banesco, Colinas de Bello Monte. La subasta se llevará a cabo el 29 de octubre, a partir de las 11:00 a.m. en el auditorio de Ciudad Banesco.
Los asistentes tendrán la oportunidad de admirar y pujar por una variedad de obras de arte excepcionales, donadas generosamente por artistas locales e internacionales El martillo estará a cargo de Clementina Mendoza, toda una profesional en la materia.
Las ganancias de esta subasta se destinarán directamente a Fundana, contribuyendo a la mejora de la calidad de vida y el desarrollo integral de los niños que reciben atención en sus centros.
Participan en la décima séptima edición artistas consagrados y emergentes, siendo algunos de ellos: Abigail Varela, Alberto José Sánchez, Alexandra Von Fedak, Alfonzo Flamez, Alfredo Salazar, Ángel Hurtado, Armando Velutini, Arturo Quintero, Blanca Díaz, Carlos Cruz Diez, Carlos Medina, Clara Wasserstein, Clelia Benitez, Consuelo Ginnari, DAGOR, Daniel Benaim, EDO, Eduardo Azuaje, Fredy Ferreira, Gian Pablo Polito, Guiomar Gamero, IPANIZA (Isaac Paniza), Isaac Bencid, Isabel Básalo, Iván Salgrero, Jairo A. Moreno, Javier León, Javier Vivas, Jesús Soto, José Antonio Araujo Hernández, José Antonio Davila, José Roberto Arráiz Herrera, Julio Maragall, Leon Kaufman, Maria Fernanda Lairet, Mariana Copello, Mariano Álvarez Gómez, Mauricio Donelli, Michael Abadi, Oswaldo Vigas, Paul Amundaraín, Rafael Barrios, Sigfredo Chacón y Vicente Antonorsi conforman la lista de más de 120 creadores que participan
Este evento no solo promete ser una experiencia emocionante e enriquecedora para los amantes del arte, sino también una oportunidad para marcar la diferencia en la vida de aquellos que más lo necesitan.
Para obtener más información sobre la subasta y conocer la lista completa de los artistas presentes en esta oportunidad se puede visitar la página web www.fundana.org o contactar al equipo organizador de esta actividad que encabeza Betzy Aizaga, coordinadora de la Subasta 04166240142; y Alicia Parra, 04242790828. Correo: info@fundana.orgInstagram @fundana_fundacion y @subastafundana
Nicolás Lapadula presenta su obra en el Centro de Arte Los Galpones
El joven artista plástico de 15 años, Nicolás Lapadula, exhibirá su obra en una exposición titulada “Zaperoco”, que tendrá lugar del 2 al 5 de noviembre de 2023, en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones.
Presentada por el Taller de Arte Artkao –con la selección de Gabriela Fontanillas y Carlos Alzuru– la muestra reúne alrededor de 40 obras en diferentes formatos, entre las que se incluyen murales, lienzos y láminas individuales.
Según afirman Guillermo Guzmán y Carlos Alzuru, Nicolás expresa su visión del mundo a través de sus pinturas de gran formato, con las experiencias, e inexperiencias, que le dan sus pocos años. En sus obras manifiesta interés sobre temas recurrentes: el juego de poder en la sociedad, el desorden, agitaciones, temores, fuerza, y sometimiento social; los títulos nos dan un indicio de sus inquietudes. Se expresa con firmeza, con un lenguaje, soporte y técnica contemporánea, tejiendo su universo y creando códigos sin dudar.
Nacido en Caracas en 2008, Nicolás Lapadula ha exhibido su obra en varias exposiciones, entre las que destacan, muestra colectiva “Oswaldo Vigas. Exhibición en dos actos acumulativos. Acto II: El lenguaje Contemporáneo”, Galería GBG Arts, Caracas (2023); y exposición individual, Rincón del Arte en el Colegio Integral El Ávila (2022). Asimismo, participó como joven artista en la Subasta a beneficio de la Fundación Caro Herrera (2023) y realizó un mural en el Colegio Integral El Ávila, donde actualmente cursa sus estudios de bachillerato.La muestra “Zaperoco” de Nicolás Lapadula se estará exhibiendo del 2 al 5 de noviembre de 2023, en el galpón 17 del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros, Caracas