El papel de un galerista es uno de los más importantes en el mundo del arte. Una mezcla compleja de adoración descarada por las obras de arte y destreza para los negocios, como opción profesional es tanto una pasión como una vocación. Los galeristas trabajan de manera simbiótica con los artistas para vender su trabajo a los coleccionistas, actuando como un conducto, pueden cambiar el curso de la historia del arte gracias a los trabajos que deciden representar. Pero, ¿qué se necesita para convertirse en galerista? Desde dónde estudiar y cómo afilar tu mirada para encontrar obras maestras hasta consejos acerca de dónde encontrar un espacio físico, esta es nuestra guía.
No hay reglas por sí mismas acerca de lo que debes estudiar para convertirte en galerista. El gigante Larry Gagosian obtuvo un título de literatura inglesa, David Zwirner estudió jazz, y Victoria Miro y Manuela Wirth comenzaron como maestras. Sin embargo, muchos –como la reina de la escena del arte en Nueva York, Mary Boone, quien asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island – estudiaron historia del arte, carrera que te brinda una gran comprensión del pasado y te prepara para hablar de lo contemporáneo. El Instituto de Arte Courtauld de Londres es considerado uno de los mejores lugares del mundo para estudiar historia del arte. También podrías elegir una universidad en función de tu área de interés –por ejemplo, Princeton posee el Índice de Arte Medieval, uno de los recursos más fuertes del mundo para el arte de este período. El postgrado del Bard College, en el norte de Nueva York es, por su parte, un estudio intensivo acerca de la historia del arte contemporáneo y las prácticas de montar exhibiciones. Además de estas instituciones, hay nuevos programas emergentes a nivel internacional, como el Máster en Historia del Arte y Estudios Museísticos en la nueva Universidad París-Sorbona en Abu Dhabi, que coincide con la apertura de siete museos en los Emiratos Árabes Unidos, incluyendo el Louvre Abu Dhabi.
Para realmente dejar huella en el mundo de las galerías, el estudio no puede suplir la pasión. La mejor educación consiste en rodearte de arte al visitar museos y galerías. Detente ante una obra, analiza y encuentra qué es lo que te dice. Para representar a un artista debes realmente entender las intenciones detrás de su trabajo. En una entrevista concedida al Independent en 1997, en vísperas de abrir su primera galería, Sadie Coles describió como su deseo de convertirse en galerista estaba impulsado por el trabajo de la artista Sarah Lucas. “La conocía hace seis años en mis primeros meses trabajando para Anthony d’Offay”, explicó Coles. “Lucas no había exhibido mucho de su trabajo en aquel entonces, pero era extraordinaria. En ese momento, no sabía el efecto que tendría en mí ”. Por su parte, el galerista establecido en Tokio Taka Ishii, compara el vínculo que tiene con sus artistas con el matrimonio, en el sentido de que “es una relación a largo plazo. Es importante considerar no solo las obras de arte que producen, sino también sus características ”, dice. Establecer estos lazos es la base de tu carrera como galerista. I dentifica a los artistas que te interesan y te emocionan ; sus galerías son aquellas en las que deberías estar considerando trabajar. Al obtener experiencia práctica, comienzas a entender los matices que hay detrás de trabajar como el conducto entre los artistas y los coleccionistas.
Hay un conjunto de cualidades innatas que son obligatorias si quieres convertirte en galerista. Es necesario tener empatía a montones. La mayor parte del tiempo se pasa encontrando coincidencias entre los deseos, necesidades y aspiraciones tanto de artistas como de coleccionistas. Algunos artistas, por ejemplo, desean recibir orientación creativa mientras que otros solo quieren que el galerista venda su trabajo. Emparejada con esta sensibilidad e intuición, está la confianza para vender, que viene directamente de la confianza en las obras de arte y en el conocimiento de la industria acumulado a lo largo del tiempo gracias a la experiencia y a un seguimiento cercano al mercado del arte. Como galerista, es tu deber aumentar el perfil del artista a través de las ventas, garantizar cobertura en la prensa y, a largo plazo, establecer su lugar en la estructura de los museos. Hay muchos tipos de galeristas : algunos son conocidos por su influencia para las ventas; otros son reconocidos por obtener lo mejor de sus artistas a nivel creativo; algunos se especializan en el patrimonio de artistas que ya han muerto; mientras que otros son reconocidos por descubrir nuevos nombres. Necesitas preguntarte a ti mismo qué tipo de galerista quieres ser.
Una vez que tienes artistas a los cuales representar y que están listos para exhibir su obra, deberás encontrar un espacio que se adapte a sus necesidades. La localización es importante y las distintas ciudades tienen diferentes ofertas. Por ejemplo, muchos artistas se establecen en Berlín porque los bienes cuestan menos por metro cuadrado que en la mayoría de las capitales, por lo tanto, las galerías tienen presencia ahí para satisfacer sus necesidades; hay una masa crítica de coleccionistas en Londres y Nueva York, así que las ventas son abundantes en esas ciudades; Beirut es el centro para admirar obras nuevas de Medio Oriente; y en Los Ángeles hay mucho espacio sin uso por lo que han abierto una gran cantidad de galerías. La mayoría de las galerías “blue-chip” tienen propiedades en muchas ciudades para cubrir todos estos distintos propósitos; David Zwirner, por ejemplo, tiene galerías en Nueva York, Londres y Hong Kong.
Después de establecerte en una ciudad, necesitas decidir cuál es el tipo de arquitectura más relevante para el tipo de obras que exhibirás. Se trata de crear la atmósfera correcta –a menudo, la estética asociada con las galerías de arte contemporáneo son paredes blancas desnudas e iluminación en línea. Sin embargo, no siempre es el caso. Thaddaeus Ropac en Dover Street de Londres está alojada en una mansión del siglo XVIII que fue habitada por el Arzobispo Edmond Keene de Ely, mientras que Hauser & Wirth ocupa un viejo molino de harina en Los Ángeles. Pero el presupuesto no debe ser un impedimento para que logres tu sueño. Mary Howard, la fundadora de 25 años de la galería cfcg, convirtió su sala y un cuarto desocupado de Brooklyn en un espacio de exhibición para mostrar el trabajo de los artistas emergentes a los que representa.
Ahora que cuentas con un espacio físico, debes presentar tu solicitud para participar en alguna de las ferias de arte que se realizan alrededor del mundo. Las más grandes y mejor establecidas son Art Basel, llevada a cabo en Basilea, Miami Beach y Hong Kong, y Frieze en Londres, Nueva York y, a partir de febrero de 2019, Los Ángeles. A las galerías se les pide enviar una propuesta, la cual revisa posteriormente un comité de selección que evalúa el diseño de la exhibición, las bases curatoriales y la intención de la galería. Pero como explica Touria El Glaoui, fundador de la Feria de Arte Contemporáneo Africano 1-54 – en Londres, Nueva York y Marrakech–, debes elegir la feria correcta para el trabajo que representas. “Nuestros valores y nuestra misión de visibilidad también están intrínsecamente conectados con las decisiones que tomamos como galería. Dado que estamos trabajando con artistas de áreas del mundo que han sido marginadas históricamente, trabajamos con galerías que reconocen esto, que están trabajando para combatir nociones arcaicas y reduccionistas de la ‘estética africana’, y que son receptivas a las condiciones actuales y a la localidad de la feria”.
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